Repousser les limites de l'art de l'installation : 3 artistes pionniers

L'art de l'installation, un genre connu pour sa force de transformation de l'espace et de la perception, défie toute simple catégorisation. Car depuis ses origines jusqu'à nos jours, l'art de l'installation a pris des formes diverses, brouillant souvent les frontières entre l'art et le territoire qu'il occupe. De plus, qu'elles soient temporaires ou permanentes, ces œuvres en trois dimensions ont orné des galeries, des musées, des places publiques et même des maisons privées, plongeant les spectateurs dans des environnements captivants. Émergeant dans la seconde moitié du XXe siècle, l'art de l'installation a évolué parallèlement au minimalisme et à l'art conceptuel, donnant la priorité aux vues et aux expériences par rapport au produit final. Lisez cet article pour découvrir quelques artistes remarquables qui ont apporté une contribution inestimable au discours sur l'art de l'installation !

Kurt Schwitters : redéfinir le collage à travers le Merzbau

Réputé pour ses collages inventifs réalisés à partir de divers matériaux comme des chutes de papier, du bois et des publicités, Kurt Schwitters (1887-1948) était un artiste Dada pionnier du XXe siècle. Sa contribution la plus notable a été la transformation de son propre studio d'art en un collage tentaculaire connu sous le nom de Merzbau. Il considérait Merzbau non seulement comme une œuvre d'art, mais aussi comme un état d'esprit et un mode de vie, incarnant son concept de "merz". Ce terme représentait l'artiste lui-même, son existence et ses efforts créatifs, faisant du Merzbau son bâtiment.

Au fil du temps, Schwitters a agrandi son studio en un collage immersif sans rendez-vous, en constante évolution et croissance. Composé de colonnes et de stalagmites formées par un éventail d'objets trouvés, le Merzbau est devenu un témoignage vibrant de la vision artistique de Schwitters. De 1923 environ à 1937, l'installation occupa huit pièces de sa maison à Hanovre. Cependant, en raison de la montée de l'Allemagne nazie, Schwitters fut contraint de se réfugier en Norvège et, en 1943, alors qu'il était encore en exil, les bombardements alliés détruisirent le Merzbau. Cet événement a non seulement célébré la destruction de la création spécifique au site de Schwitters, mais a également limité son existence.

Yayoi Kusama : enchanter les sens avec Infinity Rooms

Artiste immédiatement reconnaissable et emblématique, Kusama ravit le public depuis 1965 avec sa série révolutionnaire d'Infinity Rooms. Sa première installation a transformé ses premières œuvres répétitives en une expérience immersive en créant des miroirs comme murs. À l'intérieur de cette salle envoûtante, les spectateurs sont enveloppés dans un espace apparemment infini orné de structures phalliques en tissu à pois.

Depuis lors, elle a créé plus de vingt Infinity Mirror Rooms distinctes, chacune avec son propre charme unique. Certains ressemblent à des boîtes de peep-show, permettant au public d'observer de l'extérieur, tandis que d'autres sont de vastes installations multimédias remplies de pois gonflés en miroir interne. Parmi les installations les plus appréciées de Kusama, en particulier parmi les amateurs de musées et les influenceurs des médias sociaux, figurent ses créations lumineuses comme l'Infinity Mirrored Room—Aftermath of Obliteration of Eternity. Cette installation particulière présente des centaines de lanternes suspendues, créant un chemin pavé d'eau. À travers la magie des miroirs, les œuvres de Kusama jouent avec nos sens, nous invitant dans des décors lyriques qui résonnent avec nos réactions humaines les plus profondes et inspirent la méditation.

Gordon Matta-Clark : défier les normes urbaines à travers l'art

Un artiste américain ayant une profonde compréhension du rôle de l'architecture dans la réflexion des structures sociétales a fait une puissante déclaration de protestation urbaine à travers son installation artistique intitulée "Splitting" en 1974. De mars à juin de cette année-là, Matta-Clark a utilisé une tronçonneuse pour découper habilement un Maison du New Jersey qui avait été acquise par son marchand et était destinée à la démolition en raison de la spéculation foncière. Provoqué par l'éviction soudaine des anciens occupants et de leurs biens abandonnés, l'artiste s'est lancé dans la documentation de son travail de l'intérieur de la maison vers l'extérieur à travers le film. Les images qui en résultent capturent la fragmentation de l'espace domestique, où la lumière et l'air imprègnent les pièces à travers des coupes architecturales massives, représentant à la fois l'effondrement personnel et universel d'une famille.

Le film, ainsi que les livres, photographies et croquis ultérieurs, sert de documentation de l'événement et évolue pour devenir une partie intégrante de l'œuvre elle-même. Cette pratique impliquait également l'exposition d'éléments de fragments de construction à grande échelle et d'autres débris sous forme d'installations dans des galeries et des espaces institutionnels, ajoutant une autre couche de sens à son travail.