Comprendere il cubismo: una breve guida per gli amanti dell'arte

Sebbene la maggior parte delle persone abbia familiarità con il cubismo e possa riconoscere un dipinto cubista, tende a sottovalutare l'impatto significativo che ha avuto sulla tradizione artistica occidentale che si era stabilita in Europa nel corso di cinque secoli a partire dal XV secolo. All'inizio del 1900, l'emergere del cubismo segnò un profondo allontanamento dai principi artistici che avevano dominato sin dalla rinascita dell'arte greco-romana nel Rinascimento. Mentre queste convenzioni erano già state sfidate per tutto il XIX secolo, il cubismo ha sferrato il colpo finale, aprendo la porta ai movimenti d'avanguardia che sarebbero venuti dopo.

Il cubismo ha avuto un impatto significativo ma, allo stesso tempo, è stato un movimento artistico di vita relativamente breve, che ha raggiunto il picco più di un decennio prima che le sue lezioni venissero assorbite o sostituite. Mentre la scultura ha svolto un ruolo, il cubismo si è concentrato principalmente sulla pittura e sullo smantellamento del paradigma costruito sulla riscoperta dell'estetica classica persa dopo la caduta di Roma.

Questo stile pittorico, che abbracciava il periodo degli Antichi Maestri, cercava di ricreare la natura utilizzando la prospettiva geometrica o gli effetti atmosferici (per evocare la distanza che scompare in una foschia) e il chiaroscuro (utilizzando gradazioni di luce per creare l'illusione della forma e dello spazio in tre dimensioni) . L'uso diffuso di smalti e vernici per pittura ad olio ha permesso alla luce di penetrare attraverso gli strati di colore riducendo al minimo la pennellata visibile, creando una superficie strettamente resa che ha accentuato l'impressione della realtà.

Insieme, questi elementi hanno creato una finestra metaforica attraverso la quale una scena poteva essere immortalata, rendendo la pittura lo strumento principale per catturare visivamente l'esistenza fino all'invenzione della fotografia.

La capacità di comprendere ciò che veniva raffigurato visivamente era un aspetto fondamentale dello stile artistico emerso durante il Rinascimento. Nonostante i successivi movimenti artistici come Manierismo, Barocco e Rococò, che hanno spinto i limiti di questo concetto, nessuno ha completamente scartato questa idea centrale. Anche l'impressionismo del XIX secolo aderiva a questo principio: ad esempio, un pagliaio di Monet conservava ancora la sua somiglianza con un vero pagliaio.

Il cubismo non solo ha segnato l'inizio dell'arte del XX secolo, ma ha anche rappresentato la risoluzione di questioni che avevano preoccupato i pittori durante il XIX secolo, in particolare nei suoi ultimi decenni. Nel corso di circa 75 anni, la pittura francese si è progressivamente allontanata dalle rigide regole codificate dall'Academie des Beaux-Arts, che si basavano sul modello dei vecchi maestri. Con il passare del tempo, questi regolamenti furono abbandonati uno ad uno, indebolendo progressivamente il potere istituzionale dell'Academie.

Il cambiamento più significativo fu l'abbandono della pittura storica, che era stata l'obiettivo principale dell'Academie, a favore di generi precedentemente meno apprezzati come la ritrattistica, il paesaggio e la natura morta, quest'ultima particolarmente importante nel cubismo. Dipingere la vita moderna, come aveva affermato il poeta e critico Charles Baudelaire, sostituì le esaltazioni della chiesa, dello stato e della mitologia classica che erano state centrali nella pittura accademica. Il passaggio al cubismo può essere fatto risalire intorno al 1880, quando i post-impressionisti emersero come gruppo. Questo collettivo comprendeva personaggi famosi come Seurat, Gaugin, Van Gogh e Cézanne, tra gli altri. Nonostante i loro diversi stili e soggetti, tutti hanno cercato di spingere i limiti della facture, che si riferisce alla manipolazione della pittura.

Les Demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon di Pablo Picasso, completata nell'estate del 1907, è considerata la pittura per eccellenza sia del cubismo che dell'arte moderna. Nonostante la reputazione di Picasso per la misoginia e lo sfruttamento sessuale, Les Demoiselles ha superato la prova del tempo come un'opera fondamentale nella storia dell'arte.

È interessante notare che la genesi del capolavoro di Picasso può essere fatta risalire a due fonti: il suo studio e il Musée d'Ethnographie du Trocadéro a Parigi. Mentre lavorava al dipinto, Picasso visitò il museo e rimase colpito da una collezione di maschere tribali prelevate dalle colonie africane della Francia. Questo incontro ha avuto un impatto significativo sulla composizione di Les Demoiselles, che finì per essere molto diversa dai piani iniziali dell'artista.

Ambientato in un bordello in una strada del quartiere a luci rosse di Barcellona, dove un tempo Picasso aveva uno studio, Les Demoiselles ritrae cinque nudi femminili che sono in realtà prostitute che mostrano i loro corpi per clienti maschi. Nei suoi studi originali, Picasso aveva incluso due figure maschili, entrambi marinai, con uno descritto come uno studente di medicina nei suoi appunti. Tuttavia, dopo la sua visita al Trocadéro, ha rimosso questi personaggi e ha alterato i volti di tre delle donne per assomigliare alle maschere africane che aveva visto.